Школа Мантия. Духовность и творчество

урок 27. Духовность и творчество

Русская словесность

Словесность — именно это определение употребляли в русской традиции по отношению к литературному наследию. Почему? — По причине отсылки русской литературы к Слову Божьему, а Слово есть Имя Христа. Чтобы мы не были обвинены в том, что все русское нам кажется лучшим, нужно определить, почему русская культура отлична от других.

Инакость русской словесности в контексте мировой литературы нельзя не замечать. 

Во-первых, посмотрим на истоки: есть два типа культур:
— культура эвдомоническая  (западноевропейская)
— культура сатарологическая (основанная на вере)

Эвдемонизм — это стремление к счастью, благополучию, достатку
Сатарологическая культура — это спасение души. Смысл всей человеческой жизни — спасение души.

Основная тема всей древнерусской словесности — с XI — по XVII век — как раз тема спасения души. Она присутствует во всех без исключения древнерусских творениях.

Все мы знаем, чем заканчивается любой американский фильм или любой французский роман — это счастливый конец: он или она в самом начале потеряли друг друга, затем они друг друга находят, по пути он спасает человечество, затем по пути они получают миллион, потому нет жизни без денег. Счастливый финал — прекрасная жизнь на земле, с семьей в хорошем доме. Вот представление о счастье в культуре эвдомонической. Смысл человеческой жизни — благополучие, и часто материальное. 

Теперь взглянем на любое произведение XIX века. Евгений Онегин. С чего начинается? — Евгений едет в пыли на почтовых. — Зачем? — Получить наследство дяди. Вот тот самый дом. Причём Евгений — наследник всех своих родных. У него больше миллиона. И в самом начале в него влюбляется Татьяна Ларина. Что делает Пушкин? Если западноевропейская литература или роман заканчиваются этим, Пушкин в самом начале спрашивает нас: «Вы хотите этого? — Пожалуйста! А теперь поговорим о самом серьезном. Чтобы вы не следили за сюжетной линией — будут они вместе или не будут — вот вам сразу ответ».

Война и мир. Начало. Пьер Безухов возвращается из-за границы. — Зачем? — Получить тот самый миллион, те самые дома, потому что умирает отец. С ним будет красавица Элен. У него есть все самое главное. Но дальше начнётся преобразование человека, духовное преобразование. У князя Андрея тоже все есть — но он так же переживет духовное преобразование.

Вся русская литература XIX века стоит на преобразовании личности. Мы видим Князя Андрея в начале одним — в конце он приходит к Богу, видим Пьера Безухова таким — в конце он приходит к Богу.

Без этого — без осознания своего места в этом мире, отношения человека с Богом — нет ни одного классического русского произведения!

Откуда же это пришло в нашу литературу? — От древнерусской словесности. Если о XIX веке мы можем говорить, что это литература, то древнерусская — это словесность. Евангелие от Иоанна, которое любят все писатели: «В начале было Слово, и Слово было у Бога, и Слово было Бог,» — свидетельствует о том, что отношение древнерусских книжников к слову было особым — это отношение к Самому Богу, потому что Иисус Христос есть воплощенное Слово. Те, кто имел отношение к написанию, не сочиняли, потому что писали или переписывали тексты Священного Писания. Другими словами, они не приписывали себе откровение, потому что откровение подается свыше. Они просто записывали его, поэтому они «не писатели».

Почему большинство древнерусских творений не доступны для понимания — потому что мы подходим к ним как к художественным творениям. Один монах говорит о пользе чтения так: «Не старайся скорее перевернуть страницу! А возьми в сердце своё написанное». Книга есть беседа Бога с человеком. Это сакральный момент, поэтому задержи в своём сердце общение с Богом. Молитва — это беседа человека с Богом, а книга — беседа Бога с человеком.

Отношение к книге было у человека совершенно иное. Древнерусская словесность была полностью основана на передаче Слова. Русская литература как ни одна литература мира не имеет такого основания — духовного. 

Художественная литература основана на типизации, обобщении и на вымысле. Почему и называли писателей XIX века сочинителями. Иконы на древней Руси писали так — молиться, поститься и потом творить. А Слово ещё важнее. Потому что оно принимается в сердце, значит, должно быть воспринято и дать отдачу. Высшее творчество в древней Руси было — искусство жить. Когда человек воспринимает Слово и послушается ему, благодать нисходит на него, он сотворят вместе с Господом Жизнь.

Но человек решил строить свою жизнь сам — без Слова. XI — XV век — превалирует теоцентрическое мировоззрение: в центре — Бог. Иконы в русской традиции перспективы рисовались как взгляд на нас. Лучи сходятся на человеке, Господь смотрит на человека.

С XV века до 40 годов XVII века возникает мировоззрение антропоцентрическое. В центре — человек. Это линейная перспектива, потому что человек в центре, и он смотрит на все. 

В XVII веке человек воспринимается не только как царь природы, но и мира — появляется модель царства на земле. В 40 годы XVII века происходит секуляризация сознания — обмирщение. Приходит мировоззрение эгоцентрическое. Игорь Северянин заявляет: «Я гений». Крайний индивидуализм. Литература становится выражением собственного «Я».


Повесть о Петре и Февронии Муромских. Ермолай в предисловии пишет, что Господь сотворил человека по образу Своему и подобию. Образ Божий в человеке — душа, потому что она вечная. Как трехипостасен Бог, так трёхчастна душа. Ум — Бог Отец, Слово, Логос — Иисус, и дух — Святой Дух. Ум над всем. А душа находится в сердце. Отсюда умная сердечная молитва. Исходит из сердца. Разум вторичен — он находится в голове. Но в 40 годы XVII века разум выходит на первое место. Меняется культурная составляющая. Россия открывается для западного сознания.

Почему эпоха Возрождения стала возможна в западной Европе? — Произошла секуляризация и языческие образцы стали моделью подражания. Приходит поклонение материальному.

Но у нас в XVI веке происходит возрождение «Святой Руси»— не случайно все русские евангелисты страдают. Их называют «страстотерпцы» (Борис и Глеб). Христианство строится на мученичестве. 

Русская литература XIX века. Что открывает Пушкин? Сначала мы видим атеиста, но затем настпуает Михайловская осень — он предстаёт как глубоко верующий человек. Пушкин обращается к Писаниям.

«Капитанская дочка» — пример —  здесь лаконичная фраза, емкое слово, сюжет сжат до невозможности. Пушкин обратился к Писанию. Он берет к рассмотрению жития святых, там нет ничего лишнего, там должна быть Идея — а это духовный подвиг. «Береги честь смолоду». Удивительный эпиграф.

Значение слова «счастье»— «быть С Частью праведников одесную Отца Своего». Есть мирское счастье — благополучие, а есть быть «с частью праведников» — быть на небесах. 

Понятие честь претерпевает осмысление. «Слово о полку Игореве»: Дружинники Игоря Святославича «русицы червлеными щиты поля прегородиши, ища себе чести, а князю — славы».
Почему князю чести не нужно — она у него дома осталась, это часть, земля, княжество.

Поэтому честь можно взять, отнять, лишить чести. Честь — материальна, а Слава — «переднюю похитим, а заднюю поделим». «Кто есть царь славы? Господь есть царь Славы». Он освещает ею небесный Иерусалим, значит, нужно искать не земную славу, но небесную. Игорь попирает эту славу и идёт за своей славой. И что получается? — Бесславие. Потому что он попадает в плен. Худшего нельзя придумать для русского князя, потому что это наказание свыше, что пошёл за своей славой. В плену он выписывает священника, кается, «Бог Игорю путь кажет из земли половецкой в землю русскую».

В XVIII веке, когда дворянство обнищало, когда имение не представляло такой ценности, честь становится понятием духовным. Семь столетий русской словесности показывало, как нация развивалась духовно. А XVIII век — век учительства, ученичества, просветительства. Приходят учителя с запада, приносят свою культуру и литературу.

Гоголь «Шинель». Белинский обозначил тему маленького человека. Акакий Акакиевич: «несколько подслеповат, несколько рябоват, несколько лысоват», — внешнее есть отражение внутреннего. 

Нам говорили, что мы должны ему сострадать. Но Гоголь показывает так, что особо мы не сострадаем. Он жалкий. Вечный титулярный советник. В табеле о рангах — 9 класс. Можем представить Акакия Акакиевича дворянином? — Нет. Никогда он им не будет. Гоголь замечает, что жалование в год 400 рублей. 34—35 рублей в месяц. Дальше — «редко кто относился с таким усердием к своему делу». Буквы у него были фавориты, он помогал языком и подмигивал. Он получал удовольствие. То есть, в какой-то мере он эстет. И вот какой-то начальник даёт ему задание: нужно было поменять адрес, и глаголы первого лица поставить в третье. Не сложно. Он совершенно покраснел, пот лился градом, сколько не пытался — не смог. То есть, творчество ему чуждо! А тут еще шинель прохудилась. Петровичу решил дать не более 2 рублей. Но Петрович был не в духе и попросил 150 рублей. Акакий Акакиевич так расстроился, что пошёл не в свою сторону. Потом одумался и решил, что Петрович и на половину согласится. 80 рублей. Считаем: значит, ему 2 месяца не есть. Но читатель должен знать, что Гоголь делает акцент на деталях. Акакий откладывал по грошику с каждого месяца и накопил уже 40 рублей. Но Акакий почему-то решил, что будет копить год и отказываться от всего: чай — 3 рубля, свечи — пятак, подметки — 50 копеек. Нельзя сэкономить на этом! Но Гоголь ещё говорит, что Акакий получил премию — 60 рублей. То есть, у него 100 рублей. Зачем он копил? Гоголь мастерски играет с читателем. Любая идея произведения раскрывается посредством деталей. Можно потерять идею, не смотря на детали. Это искусство медленного чтения. Текст как святыня. Как говорит Акакий Акакиевич. «Это, право, Петрович, того» — что он сказал. Ничего. Герой говорит междометиями, предлогами и частицами, которые ровным счетом ничего не выражают. Акакий ест прежде всего, а затем садится работать. Он ест, но говорить не может. Чем отличается человек от бессловесного животного? Гоголь обращает на это внимание. Акакий не может управлять Словом. У него нет подобия — подобие — это способность творить. Он не может творить. Но когда герой стал экономить, то Гоголь пишет: «…теперь его окрыляла вечная идея — будущей шинели». Гениальная фраза! Не идея вечной будущей жизни, но шинели! Герой ее называет — «подруга жизни, спутница». Концовка — герой надевает шинель, идёт в гости, воры нападают и снимают шинель. 


Что это? — Евангелие! «Не собирайте себе сокровищ на земле»… Во времена Гоголя Евангелие не читали как и в наше время. Акакий не может пережить этого. Но это не концовка. После кончины героя по Петербургу проползали слухи, что появляется привидение, которое похищает шинели. «Где богатство — там и сердце ваше будет», — такой духовный смысл — то есть, сердце героя остаётся на земле. 

Это только малая часть богатейшего наследия, которое оставлено для нас и потомков. Как сможем мы употребить дивные сокровища для расширения Царства Божьего — зависит от нас. В наших руках — великая тысячелетняя словесность.

Живопсиь.

Эпоха Возрождения — одна из самых ярких в истории человечества. Она не только дала толчок к развитию изобразительного искусства, но заложила основы дальнейшего развития европейской культуры Нового времени. Идеологической базой Возрождения стал гуманизм — течение общественной мысли, которое зародилось в 14 веке в Италии, а затем на протяжении второй половины 15 — 16 века распространилось в других европейских странах, провозгласившее высшей ценностью человека и его благо. Гуманисты считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Наиболее ярко и полно воплотились идеи гуманизма в изобразительном искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями.

В рассматриваемое время в итальянском обществе появился большой интерес к философии, поэзии, драме, науке. Интерес к гуманистической философии означал, что отношения человека с человечеством, Вселенной и с Богом уже не являются исключительной прерогативой Церкви.

В новую эпоху на первое место выступает творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была на редкость многообразной. Поражает разносторонняя одаренность мастеров Ренессанса — они часто работали в различных областях, совмещая занятия живописью, скульптурой, архитектурой с увлечением литературой, поэзией и философией, с занятиями точными науками.

Живописцы этого времени с легкостью используют все средства изображения: колорит, обогащенный воздухом, светом и тенью, и рисунок, свободный и острый; они прекрасно владеют перспективой и объемами. Дышат и движутся люди на полотнах художников, глубоко эмоциональными кажутся их чувства и переживания.

Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъеме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей (правящих богатых семейств) — крупнейших покровителей и заказчиков произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине 15 века, богатая купеческая Венеция. В 16 веке столицей итальянского Возрождения стал Рим. Впоследствии местные центры искусства, кроме Венеции, утратили прежнее значение.

В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов:

Проторенессанс (вторая половина 13 — 14 век),

Раннее Возрождение (15 век),

Высокое Возрождение (конец 15 — первые десятилетия 16 века)

Позднее Возрождение (последние две трети 16 века).

Проторенессанс – время Данте и Джотто

А) ВИЗАНТИЙСКАЯ ШКОЛА

Византийская живопись канонична и имеет ярко выраженный религиозно-церковный (православный) характер, поэтому ее главным видом является иконопись (в его византийском понимании термина – изображение святых). Главные персонажи иконы, наполненные большей благодатью, как правило, увеличены в размерах и расположены в центре. Их фигуры располагаются фронтально (анфас). иконописец/живописец/мозаичист изображает на иконе/фреске/мозаике образ духовного, идеального, а не реального мира; не святых людей, а их идеальные образы; не реальные события, а их отражение, то пространство иконы/фрески/мозаики – особое, духовное и оно имеет особые свойства. Время – икона/фреска/мозаика не передает реального времени. Время духовного мира – вечность. Византийскими церковными художниками были выработаны три источника особого освещения пространства идеального мира.
Во-первых, это золотой фон, часто покрывающий все свободное пространство. Второй источник света – нимбы над головами изображенных фигур. Они светятся особенно ярко, выражая духовную сущность человека.
Третий источник света – лики, особенно глаза. Их выделяют размером и наделяют особым внутренним свечением.

Система цвета, используемая в ромейско-византийской живописи также условна и канонична.
 

Б) ДЖОТТО (потомственный пастух) 13 век

С него начинается современная европейская живопись. Искусство как театр, как действие описывающее мир. Начал с ноля, до него так никто не делал. До импрессионистов продолжалось то, что создал Джотто. (Микеланджело 200 лет спустя)

Композиция, то, что представляет художник. Картина – театр. Художник режиссирует, рассказывает, как оно было. Описано очевидцем действия.

— как действие

— как причинно-следственную связь

— как временное действие

— насыщенное большим количеством психологических оттенков

Джотто переносит события в понятную реальность, люди становятся людьми, плотью, у них есть эмоции. Фон становится частью повествования. Это очень необычно. Все предметы являются важными.

Благородное лицо Христа, безобразное Иуды. Путь, по которому пойдет все искусство возрождения. Физическое уродство отождествляется с уродством нравственным и физическая красота с красотой нравственной.

Центр композиции даже не лица, а внутреннее психологическое состояние. Не действие, а действие, остановленное в кульминационной точке (пауза в театре).Создал пространство картины, происходящее действие. В массовке все характеры и детали. До него ничего подобного не было.

Историческое действие, происходящее во времени, пространство режется, там есть продолжение.

Европейский художник – ТВОРЕЦ, создает свой мир, свет, цвет, глубину. Византийский – отрешение и передача Божественного мира.

28 фресок из жизни Св Франциска, 38 фресок в капелле Дель Арена

БОТИЧЕЛЛИ

Особое место в живописи раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли (1445 — 1510). Его имя стало известно благодаря картине «Поклонение волхвов» (1476), на которой изображены три поколения правителей Флоренции — Медичи. Его знаменитые картины зрелого периода «Весна» (около 1477 — 1478) и «Рождение Венеры» (1483 — 1484) навеяны стихами выдающегося гуманиста Анджело Полициано. Аллегорическая картина «Весна«, написанная для украшения виллы Медичи, принадлежит к числу наиболее сложных произведений Боттичелли. В начале 1490-х годов в творчестве Боттичелли произошел решительный перелом. На него оказали сильнейшее влияние страстные проповеди доминиканского монаха Савонаролы, обличавшего папство, аристократию, богатство и гуманистическую культуру. Когда в 1494 году Медичи были изгнаны из Флоренции, а во главе республики фактически оказался Савонарола, Флоренцию охватил религиозный фанатизм. На улицах запылали костры, в которых горели предметы роскоши и даже произведения искусства. Сильное впечатление на художника произвела казнь монаха, обвиненного в ереси: он был повешен перед Палаццо Веккьо, а затем сожжен на костре.

В поздний период творчества Боттичелли обращался к религиозным сюжетам трагического характера. К ним относятся две картины «Оплакивание Христа» (около 1500 года).

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Джорджоне, Тициан Вечелио

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ

В истории человечества нелегко найти столь же гениальную личность, как Леонардо да Винчи (1452 — 1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и ученого стал ясен только тогда, когда были проанализированы разрозненные документы его наследия. Несмотря на многочисленные исследования, посвященные различным сторонам деятельности Леонардо, многое в его творчестве остается загадочным и продолжает волновать умы людей.

Вскоре после переезда из Флоренции в Милан Леонардо пишет «Мадонну в скалах», где использует очень необычный сюжет поклонения младенца Иоанна младенцу Христу в присутствии Богоматери и ангела. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот прием Леонардо называли «сфумато».

Иной, драматический настрой отличает монументальную роспись Леонардо «Тайная вечеря», исполненную им в 1495 — 1497 годах для трапезной церкви Санта Мария делла Грацие в Милане. Неудовлетворенный ограниченными возможностями традиционной техники фресковой живописи, Леонардо в виде эксперимента использовал в этой работе смесь масла и темперы, которая плохо держалась на поверхности стены.

Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнес роковые слова: «Один из вас предаст меня». На эти слова каждый из апостолов реагирует по-своему, проявляя свой характер, свое собственное отношение к Спасителю.

Когда в 1499 году Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитаний. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество художника словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503). Изысканное сфумато доведено здесь до предельного совершенства. Формы смоделированы последовательным нанесением прозрачных красочных слоев, благодаря чему возникает эффект внутреннего свечения картины. Но в большей степени зрителя завораживает обаяние модели. Художник в этой работе вновь создает гармонию двух противоположных начал — идеализированного образа и портрета реальной женщины.

Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И, тем не менее, его личность выходила за ее пределы. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, наброски, схемы, неразрывно связанные не только с рукописями, посвященными точным наукам, но и с работами по теории искусства. В знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам передачи светотени, объемной моделировке, линейной и воздушной перспективе.

РАФАЭЛЬ

С творчеством Рафаэля Санти (1483 — 1520) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии, это был художник, открытый миру.

«Обручение Марии» (1504). Происходящая на фоне чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой образ высокой красоты. Выразительны, певучи, метки и пластичны их движения, позы и жесты героев, например, сближающиеся руки Марии и Иосифа. Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 году его пригласили к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы, так называемых станц (комнат) в Ватиканском дворце. Росписи ватиканских станц (1509 — 1517) принесли Рафаэлю славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и всей Италии.

МИКЕЛАНДЖЕЛО

Представление о гениальности как о божественном вдохновении, о сверхчеловеческой способности, дарованной нескольким избранным личностям и через них себя проявляющей, наиболее полно иллюстрируется жизнью и творчеством Микеланджело Буонарроти (1475 — 1564). Он был убежден, что создание образа человека является наивысшим средством самовыражения, и в этом он ближе к античной скульптуре, чем другие ренессансные художники.

Его самое известное произведение первого римского периода — «Пьета» («Оплакивание Христа», созданное в 1498 — 1501 годах) в капелле собора Святого Петра. На коленях Марии распростерто безжизненное тело Христа. Горе матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплескивается наружу душевное страдание. Вернувшись во Флоренцию в 1501 году, Микеланджело принялся за исполнение монументальной мраморной статуи Давида (1501 — 1504). Статуя достигает пяти с половиной метров высоты. Не изображая головы поверженного Голиафа, скульптор сумел создать образ не героя-победителя, но защитника города. В статуе спокойствие сочетается с внутренней напряженностью, она выражает столь характерное для Микеланджело «действие в покое».

Микеланджело считал себя скульптором, что, однако, не помешало ему быть великим живописцем и архитектором. Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения — роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная в 1508 — 1512 годах. Плафон представляет собой грандиозный ансамбль, включающий сотни фигур, ритмично размещенных в отведенных им полях, на которые художник расчленил свод капеллы. Роспись потолка поражает внутренним единством гигантской композиции.

ТИЦИАН

В отличие от рано ушедшего из жизни Джорджоне, Тициан Вечеллио прожил почти столетие (1476 или 1477 — 1576). Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Он был одним из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на ее развитие в 17 столетии. Художника привлекали образы пышной женской красоты, как, например, в самой известной его картине раннего периода «Любовь небесная и земная» (1515 — 1516). Полотно «Вакханалия«, написанное около 1518 года.

В последний период творчества, начиная с 1550-х годов, Тициана волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий. В этот период он пишет картину «Бичевание Христа«, где освещенные во мраке пламенем факелов фигуры палачей, полных бессмысленной ярости, противопоставлены нравственной силе Христа. В картине «Святой Себастьян» герой, пронзенный стрелами, но не сломленный, словно возникает из хаоса Вселенной. Окружающий его мир охвачен грозным движением; колорит теряет яркость красок, становится почти монохромным, широкие свободные мазки сглаживают четкость очертаний, и живописная поверхность как будто вибрирует. Последняя большая алтарная картина Тициана — «Оплакивание Христа» (1573 — 1576).

ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Во второй половине 16 века в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. В нем укреплялись антиклассические тенденции. Однако они почти не затронули Венецию, которая во второй половине 16 столетия стала главным очагом позднеренессансного искусства, давшей миру таких великих мастеров как Андреа Палладио, Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто.

СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Большинство художников 15 века, живших к северу от Альп, оставались равнодушными к итальянским формам и идеям. Но в 1500-х годах ситуация резко изменилась: в северные края хлынул поток произведений итальянского искусства. И на смену «поздней готике» постепенно пришло Северное Возрождение. Это довольно условный термин, так как характер объединяемых им художественных направлений был разнообразнее, чем в Италии в 16 веке. Различным был и характер влияния итальянских ренессансных произведений — тут были и Раннее, и Высокое, и Позднее Возрождение во всем многообразии региональных вариантов.

Нидерланды — историческая область, занимающая часть обширной низменности на североевропейском побережье от Финского залива до пролива Ла-Манш. В настоящее время на этой территории находятся государства Нидерланды (Голландия), Бельгия и Люксембург.

После распада Римской империи Нидерланды превратились в пестрое скопление больших и малых полунезависимых государств.

Самозабвенно трудились нидерландцы с их особенным талантом «без скуки делать самые скучные вещи», как выразился французский историк Ипполит Тэн об этих людях, безраздельно преданных повседневности. Возвышенной поэзии они не знали, но тем трепетнее чтили вещи самые простые: чистое уютное жилище, теплый очаг, скромную, но вкусную еду. Нидерландец привык смотреть на мир, как на огромный дом, в котором он призван поддерживать порядок и комфорт.

ОСНОВНЫЕ ЧЕРТЫ ИСКУССТВА ВОЗРОЖДЕНИЯ НИДЕРЛАНДОВ

Общим для искусства Возрождения в Италии и в странах Центральной Европы является стремление к реалистическому изображению человека и окружающего его мира. Но эти задачи решались различно из-за различия характера культур.

Для итальянских художников Ренессанса было важным обобщение и создание идеального, с точки зрения гуманизма, образа человека. Для них важную роль играла наука – художники разрабатывали теории перспективы и учения о пропорциях.

Нидерландских мастеров привлекало многообразие индивидуального облика людей и богатство природы. Они не стремятся создать обобщенный образ, а передают характерное и особенное. Художники не используют теории перспективы и другие, а передают впечатление глубины и пространства, оптические эффекты и сложность светотеневых отношений благодаря тщательному наблюдению.

Для них характерна любовь к своему краю и удивительное внимание ко всем мелочам: к родной северной природе, к особенностям быта, к деталям интерьера, костюмов, к различию материалов и фактур…

Нидерландские художники с предельной тщательностью воспроизводят мельчайшие детали и воссоздают сверкающее богатство красок. Эти новые живописные задачи могли быть решены только при помощи новой техники масляной живописи.

Открытие масляной живописи приписывается Яну ван Эйку. С середины 15 века эта новая «фламандская манера» вытесняет старую технику темперы и в Италии. Не случайно на нидерландских алтарях, являющихся отражением целой Вселенной, можно рассмотреть все, из чего она состоит, — каждую травинку и деревце в пейзаже, архитектурные детали соборов и городских домов, стежки вышитых орнаментов на одеяниях святых, а также массу других, самых мелких, деталей.

Искусство XV столетия — золотой век нидерландской живописи.

Ярчайший ее представитель Ян Ван Эйк. Ок. 1400—1441.

Величайший мастер европейской живописи:

открыл своим творчеством новую эпоху Раннего Возрождения в нидерландском искусстве.

Был придворным художником бургундского герцога Филиппа Доброго.

Одним из первых освоил пластические и выразительные возможности масляной живописи, используя тонкие прозрачные слои краски, положенные один поверх другого (так называемая фламандская манера многослойного прозрачного письма).

ИЕРОНИМ БОСХ (1450 — 1516)

Художник, опередивший время. Одна из самых загадочны личностей, чье творчество весьма удивительно. Не имеет аналогов ни до, ни после него. Оно не живет по законам западноевропейской живописи, художник не зацикливается на том, чтобы изображать райские миры и правильных людей. На его картинах перед нами предстают страсти, грешники, обуреваемые страстями. Это тревога за человечество, погрязшее в пороке и скверне.

О его жизни мало известно. Родился в семье живописцев. Босх – псевдоним.

В своих произведениях причудливо соединял черты средневековой фантастики, фольклора, философской притчи и едкой сатиры.

Создавал многофигурные религиозные и аллегорические композиции, картины на темы народных пословиц, поговорок и притч.

Произведения Босха наполнены многочисленными сценами и эпизодами, острожизненными и причудливо-фантастическими образами и деталями, полны иронии и иносказания.

«Извлечение камня глупости»

Лекарь шарлатан. Казалось бы, все реально. Но из раны на голове растет тюльпан. Вместо шляпы — воронка. У женщины на голове книга. (Лжемудрость, книга на голове, формальные знания) Виселица – любое зло наказуемо. Символ человеческой жизни, где глупость и обман основа бытия.

Творчество Босха оказало огромное влияние на развитие реалистических тенденций в нидерландской живописи XVI в.

Композиция «Искушение св. Антония» — одно из самых знаменитых и загадочных произведений художника. Шедевром мастера стал триптих «Сад наслаждений», замысловатая аллегория, получившая множество различных толкований. В этот же период были написаны триптихи «Страшный суд», «Поклонение волхвов», композиции «Св. Иоанн на Патмосе», «Иоанн Креститель в пустыне».

«Поклонение волхвов» Триптих

Петр с ключами, Св Агенсса с Донатарами, в центре сцена поклонения

У центрального волхва по подолу фигуры демонов, разных рас, корона снята пред властью Бога, дикие звери – трудности на пути, дары в причудливых шкатулках, на одной из которых жертвоприношение Исаака, на одежде встреча Соломона и Царицы Савской

Почти на всех картинах сова – служит злу и обозначает духовную слепоту?

Большинство картин Босха зрелого и позднего периода представляют собой причудливые гротески, содержащие глубокий философский подтекст.

К зрелому периоду творчества художника относится большой триптих «Воз сена», высоко оцененный Филиппом II Испанским. В основе алтарной композиции вероятно, лежит старая нидерландская пословица: «Мир — стог сена, и каждый старается ухватить с него сколько может».

Искушение св. Антония. Триптих . Зло наступает со всех сторон. Исполненный красоты и гармонии пейзаж.

«Корабль дураков» (1491 г)

Обжорство и сладострастие. Подвыпившая компания. Корабль врос и никуда уже не плывет. На корабле монахи и монахини, миряне гуляют и поют. Все персонажи на одно лицо. (Шариковы) В то время корабль – это церковь.

Время Лютера, начало протестантизма. Принадлежал братству свободного духа.

1495 г Поэма «Корабль дураков», главный герой господин Пфенинг (валюта того времени) правит всем. Фильм

К позднему периоду творчества Босха относятся триптих «Рай и ад», композиции «Бродяга», «Несение креста». Сын Божий у него слабый, страдающий человек. Отличающийся от всех. Быть человеком – подвиг.

ПИТЕР БРЕЙГЕЛЬ

Вершиной нидерландской живописи второй половины века стало творчество Питера Брейгеля Старшего. 1525/30—1569. Прозван Мужицким.

16 век в Нидерландах успех и процветание, рождается глобус и географические карты. Почти 400 художников, а школы есть даже в деревнях.  1551 г. принят в гильдию живописцев (Св. Луки)

Он создал глубоко национальное искусство, опирающееся на нидерландские традиции и местный фольклор.

Сыграл огромную роль в формировании крестьянского жанра и национального пейзажа.  В творчестве Брейгеля сложно переплелись грубоватый народный юмор, лиризм и трагизм, реалистические детали и фантастический гротеск, интерес к подробной повествовательности и стремление к широкому обобщению. Изображает людей весьма странно, приземистые, плотные, не слишком изящные и ловкие.

В работах Брейгеля — близость к нравоучительным представлениями средневекового народного театра.

Шутовской поединок Масленицы и Поста — обычная сцена ярмарочных представлений, устраиваемых в Нидерландах в дни проводов зимы.

Повсюду кипит жизнь: там водят хоровод, здесь моют окна, одни играют в кости, другие торгуют, кто-то просит подаяние, кого-то везут хоронить…

Пословицы. 1559. Картина представляет собой своеобразную энциклопедию нидерландского фольклора.

Персонажи Брейгеля водят друг друга за нос, садятся между двух стульев, бьются головой о стену, висят между небом и землей… Нидерландская поговорка «И в крыше есть щели» близка по смыслу к русской «И стены имеют уши». Нидерландское «бросать деньги в воду» означает то же, что и русское «сорить деньгами», «пускать деньги на ветер». Вся картина посвящена напрасной трате денег, сил, всей жизни — здесь кроют крышу блинами, пускают стрелы в пустоту, стригут свиней, согреваются пламенем горящего дома и исповедуются черту.

Брейгель любит людей, хочет, чтоб они стали лучше. И любви к ним подносит к ним зеркало, смеется над ними и над миром, гдн правит слепота, жадность и эгоизм.

Вавилонская башня . 1563

В отличие от пестрой суеты ранних работ Брейгеля, эта картина поражает зрителя своим спокойствием. Изображенная на картине башня напоминает римский амфитеатр Колизей, который художник видел в Италии, и одновременно — муравейник. На всех этажах громадного сооружения кипит неустанная работа: вращаются блоки, переброшены лестницы, снуют фигурки рабочих. Заметно, что связь между строителями уже потеряна, вероятно, из-за начавшегося «смешения языков»: где-то строительство идет полным ходом, а где-то башня уже превратилась в руины.

Несение креста . 1564

После того как Иисус был предан на распятие, солдаты взвалили на Него тяжелый крест и повели на лобное место, называемое Голгофой. По дороге они схватили Симона из Киринеи, который возвращался домой с поля, и заставили его нести крест за Иисуса. За Иисусом шло множество людей, среди них были женщины, плакавшие и рыдавшие о Нем. Этот традиционный евангельский сюжет трактуется как огромная массовая сцена с участием множества любопытных – солдат, мальчишек, крестьян и прочих обывателей.Библии. Когда человек впервые смотрит на картину, он не знает, на чем в первую очередь сосредоточиться. Это композиция, изображающая Христа, несущего крест, в виде полукруглой процессии случайных сцен на фоне широкого пейзажа, окруженного крошечными и оживленными фигурами. Наши глаза устремляются от сцены к сцене этой многогранной картины. Как будто картина приглашает нас посмотреть везде и не позволить нашим глазам останавливаться в одном конкретном месте. Это в некотором роде хаотическая сцена, которая очень сбивает с толку. Это типично для многих картин Брейгеля, которые обычно наполнены всевозможными персонажами. На переднем плане выделяются своими размерами  печальные друзья Христа, стоящие на небольшой скалистой скале и намеренно отодвинутые Брейгелем от полчищ внизу. Эти четыре фигуры, Дева Мария, Иоанн Ученик и две святые женщины, больше по размеру, чем остальные, и они неподвижно сидят и растеряны над хаотическими событиями внизу.  Итак, в первый момент мы не фиксируем взглядом Христа, но видим рассеянные по широкой долине толпы людей. Пешие в черных, коричневых и серых одеждах выглядят как современные Брейгелю нидерландские мещане и крестьяне. Такая трактовка христианского сюжета позволяет художнику дать возможность своим героям самостоятельно решить извечную проблему нравственного выбора. Интересно отметить, что эти два персонажа и персонажи святых женщин одеты в одежду, которую носили во время распятия, в то время как остальные фигуры, за исключением самого Христа, одеты во фламандские одежды времен Брейгеля.

Поэтому никто из людей, окружающих несущего свой крест Христа, не догадывается, что перед ними — Спаситель.
«Несение креста» — картина религиозная, христианская, но это уже не церковная картина. Брейгель соотносил истины Священного писания с личным опытом, размышлял над библейскими текстами, давал им свое толкование, т.е. откровенно нарушал действовавший в то время императорский указ от 1550 г, который под страхом смерти запрещал самостоятельное изучение

Охотники на снегу . 1565

Брейгель создает серию пейзажей «Месяцы». «Охотники на снегу» — это декабрь-январь.

Каждое время года для мастера — это, прежде всего, неповторимое состояние земли и неба.

Крестьянский танец . 1568—69

Толпа крестьян, захваченная стремительным ритмом танца.

Это группа последователей Христа. Их здесь на картине очень мало. Им выделено некое отдельное место, и мы понимаем, что они решительно противопоставлены всей этой огромной толпе, противопоставлены своим геометрическим положением на картине, им выделено некое особое пространство, противопоставлены размером, противопоставлены той манерой, в которой они написаны, потому что они написаны, как многие искусствоведы обращали на это внимание, в нарочито архаизированной манере, напоминающей более изысканную нидерландскую живопись предыдущего столетия, таких художников, как, например, Рогир ван дер Вейден или Робер Кампен. То есть он их даже не только в другие одежды нарядил, он их даже написал в специально архаизированной манере.

И они, конечно, противопоставлены всей этой огромной толпе еще очевидным образом потому, что они никуда не бегут, и никуда не идут, и никуда они не скачут и не мчатся, в отличие от всех. Они, в отличие от этой толпы, понимают, что происходит здесь на самом деле в этот момент. Они понимают весь ужас и весь масштаб этого события: вот сейчас история мира повернется на оси. Вся история мира шла к этому моменту, и после этого момента, после распятия и смерти Христа и воскресения Христа на третий день начнется новая эпоха в истории мира. И вот эти люди знают об этом. Они сейчас безутешно скорбят, но через несколько дней они будут уже ликовать, а вот эта огромная толпа, которая направляется глазеть на казнь, как раз не видит того, что происходит.

Поделиться в соцсетях